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Journey towards sound itself : Review of AMIMORI-Shohei's SONASILE

Arrangement music/Emergent music

If I challenge to classify contemporary music history and pre-contemporary music history, knowing it is reckless, the birth of 'critique eye for sound itself' becomes a watershed.
In music called Western and classical, although there was consciousness to the tone color itself, only musical instruments limited to the historical context were used. A limited set of musical instruments appearing in Western music is imcluded almost all in the orchestra. Western music has produced various sounds by the recombination and arrangement of a set of musical instruments. Therefore, olny in the aspect of tone color, classical music is named "Arrangement music". Western music as an arrangement reaches one vertex in Maurice Ravel 's orchestral music. It is symbolic that he left a lot of piano songs that are regarded as colorful as the orchestra. The instrument called piano is a arrangement instrument which was born in the 18th century when classical music sharpens and it has made a dramatic evolution in the 19th century. In the limited tone color, the tone color is created by combining the tone range having each color.
So, what kind of attitude does contemporary music have with respect to tone?
The possibility of electronic acoustics was created. Work that creates sound. Instead of existing instruments, it creates new sounds by deforming, expanding and adding basic sine waves. It has made it possible to create sounds infinitely. It is also the melting of the boundary between the musical sound and the noise. You can name music after electronic music as "Emergent Music".
From Arrangement to Emergence. From limited instruments to infinite sound. It is possible to organize the history leading to the music of the present for a while in this way.
However, the expansion of the sound concept is not monotonous, but diverges as it vibrates positive and negative. 

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 Although the discovered electronic sound was caught as a possibility in the discoverer, only those which are easy to handle are picked up and the remaining possibility can not be considered. The possibility of emergence will fall to the stability of the arrangement. We notice that the word 'prese't symbolizes this fall. The digital sound source contained in music production software is preset as a typical sound.

Vibration of Emergence and Arrangement

 Under such circumstances, there are young artists who again show the possibilities of Emergence. AMIMORI Shouhei. musician. Composer. Graduated from Department of Music, Tokyo University of the Arts, Music School, graduated from the Graduate School of Music.

His first album SONASILE is filled with the possibilities of Emergence.

SONASILE

網守将平『SONASILE』

PROGRESSIVE FOrM / PFCD64
2016.12.2 release / ¥2,000 (tax ex)


Interestingly, SONASILE starts with a piano song 'sonasile'. A neat sounding by his own performance is a pleasant introductory song and arrangement. According to the title, Son-asile, suitable for intrusion into the sanctuary of sound. He answered in an interview as follows.

The title is coined by "SON" (sound) + "ASILE" (shelter). I decided on this title because I took the production attitude to evacuate myself from the world of sounds which had become saturated in various ways in recent years and approach to music again from the evacuated position. ('Song Premiere: AMIMORI Shouhei - kuzira')

12.2release 網守将平 "sonasile" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

'Sonasile' gradually increases the density of the electronic sound at the end, then 2.Pool Table starts. Cut sounds move swiftly. While we becoming somewhat lost sometimes, a pop vocal melody will arrive soon. We are urged to be aware of the quality of the electronic sound itself. We already know that we're entering his evacuation site.

The electronic sound which prominently prospered 20 years ago is not understood, but after appearing as something cool, gradually many musicians gradually wear the (fresh) way of making <How to make good use of pops > In the viewpoint that you are now using electronic sound as a material for arranging, right? At the same time I think that electronic things are also a material that has good touch. My interest is opposite to that, and I am still interested in the electronic sound as something I did not understand. I would like to share that interest with someone. (Underline is the author)
(Hereinafter referred to as "Mikiki | Let's think the electronic sound as an esoteric thing again - academic newest, from the innovative pop / music theory that the net professional has won! | From INTERVIEW | JAPAN")

Denying Material for arranging. Attempt to return to the electronic sound of Emergence which is not fixed yet, not for arranging.

網守将平 "Pool Table" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

 

Songs with twin vocals with Satoko Shibata, 3. kuzira
Listen and notice that Shibata 's way of singing is what eliminated breathing. It sounds like a voice as well as a sound.

Kuzira is the first song created for all songs. At the end of the arrangement, I thought I was going to do something so narrative, including the melody, so I thought I was going to do something, as a result of various problems, singing dare to those who seem to be incompatible with this song I landed on the idea of ​​trying out what to do with it.

網守将平 "Kuzira" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

6.LPF.ar An electronic sound is inserted so as to spread around the melody of a melancholic piano.
It is an acoustic / musical work.

(About affected musicians: author's note) They can also be said to be composers who treated music more than formal concepts, more widely as spatiotemporal concepts. My way of receiving this kind of influence is consistent, and it leads to the interest / activity of the later acoustic system and sound art as it is.

9.Sheer Plasticy Of the Lubricant

Persistent soundings appear acoustically, they also appear as musical as chords. The texture and structure are smoothly replaced lubricously, borrowing his word. Although it seems that pops seem to be disappearing, encounter the sound which can sense the structure. It is a song that represents this album in terms of fusion of sound and music.

This is about how to listen, but if you have some sort of phrase in songs, you will be able to control to some extent whether you want to listen to that phrase as <acoustic> or <phonological> as if it is not precise ? Studying academic composition makes you feel sensitive to things like motifs and you want to extract patterns from phrases. In short, I'd like to listen to the structure, but electronic acoustics are not so easy as textural elements are strong. I think that it was an example that I was able to make use of academism outside of it in a really good sense, that I was able to acquire a method of listening as a kind of conflict trying to perceive the difference between such texture and structure.
(Emphasis is author)


10.Mare Song
網守将平 "Mare Song" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud
Authentic, beautiful and melancholy charm. This will be a song that expresses the next word.

(This album as a whole not esoteric: Writer's note) If there is a reason that is not esoteric, I think that I made it as a <pop music> rather than electronic music / electronica from the beginning. In me, "SONASILE" is only pops and I planned to make pops from the beginning. In terms of the relationship with electronic sound, this is something I thought during the production, but I thought that the existence of the electronic sound would be prominent paradoxically by making it pops even if it gains power.

11. Rithmcat
I feel a somewhat humoresque and a trial of rhythm. I remember feeling that the sense of humor's humor is blindly destroyed.

Even though I use electronic sound as an arranging material for pops, I wanted to exploit something excessively and dislocate the arrange itself, on the contrary, I wanted to restore the consciousness to the electronic sound in the listener. Rather, should you think again of the electronic sound as an esoteric thing? By thoroughly conceiving such an idea, it seems that accidental sounds beyond the category of arranging were to be scattered throughout the work

Return of electronic sound to Emergence, simultaneous joining with advanced arrangements. It also accompanies some humor that resurrected elsewhere. It is an album full of originality that can only be done by AMIMORI, and his achievement has been successfully achieved. Each song has the next development and it has the possibility that even 11 different albums can be produced with root as those.

網守将平 "SONASILE" AlbumTrailer PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

References 

・Mikiki | もう一度、電子音を難解なものと考えよう―アカデミックな新鋭、網守将平が突き詰めた斬新すぎるポップ・ミュージック論 | INTERVIEW | JAPAN http://mikiki.tokyo.jp/articles/-/13232

・Song Premiere: 網守将平 – Kuzira http://publicrhythm.com/29552

・【REVIEW】SONASILE / 網守将平(PROGRESSIVE FOrM)http://indiegrab.jp/?p=4394

音そのものへの旅 網守将平 SONASILE

配置の音楽・創発の音楽

現代とそれ以前の音楽史を無理を承知で分類するなら、「音そのものへの批評眼」の誕生が分岐点になる。
西洋、クラシックと言われる音楽においては、音色そのものへの意識はあったにせよ、歴史的な文脈に限定された楽器しか用いられなかった。ハイカルチャーとしての西洋音楽に現れる限定された楽器のセットはオーケストラでほぼ尽くされている。西洋音楽は、楽器のセットの組み換えと配置によってさまざまな音色を生み出してきたのだ。ゆえに、クラシック音楽は、音色に限定すれば、「アレンジメント=配置の音楽」と名付けられる。アレンジメントとしての西洋音楽はモーリス・ラヴェル管弦楽においてひとつの頂点に達する。彼が管弦楽と同時に、色彩豊かと称えられるピアノ曲を多く残したのは象徴的だ。ピアノという楽器は、クラシック音楽が先鋭化した18世紀に誕生し19世紀に飛躍的な進化を遂げた配置的楽器だ。限定された音色のなかで、それぞれのカラーをもった音域を組み合わせて音色が作られる。
それでは現代の音楽は音色に対してどのような態度をとっているのだろうか?
電子音響の可能性が生み出した。音を創るという作業。既存の楽器ではなく、基本的なサイン波の変形、拡大、足し合わせによって、新たな音色を創る。それによって無限の音を創ることができるようになった。楽音と騒音との境界の融解でもある。電子音楽以後の音楽を「エマージェンス=創発の音楽」と名付けることができる。
アレンジメントからエマージェンスへ。限られた楽器から無限の音へ。現代の音楽へ至る歴史をひとまずこのように整理することができる。
しかし、音概念の拡大は単調ではなく、正負に振動しながら発散していく。

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発見された電子音は、発見者たちにおいては可能性として捉えられたが、その中でも扱いやすいものだけが抜き取られ、残りの可能性は省みられなくなる。エマージェンスの可能性はアレンジメントの安定性へと落下していく。わたしたちはプリセットという言葉がこの落下を象徴していることに気づく。音楽制作ソフトに収められたデジタル音源は、典型的なサウンドとしてプリセットされている。

エマージェンスとアレンジメントの振動

このような状況のなかで、ふたたびエマージェンスの可能性を提示してみせる若きアーティストがいる。網守将平。音楽家。作曲家。東京芸術大学音楽学部作曲科卒業、同大学院音楽研究科修士課程修了。
彼の1stアルバムSONASILEは、エマージェンスの可能性に満ちている。

SONASILE

網守将平『SONASILE』

PROGRESSIVE FOrM / PFCD64
2016.12.2 release / ¥2,000 (tax ex)


興味深いことにSONASILEピアノ曲'sonasile'で始まる。彼自身の演奏による、端正な響きが心地よい序奏的楽曲であり、アレンジメント的である。タイトル通り、Son-asile、音の聖域への侵入にふさわしい。彼はインタビューでこう答えている。

タイトルは「SON」(音)+「ASILE」(待避所)による造語です。昨今いろんな意味である種飽和状態と化した音の世界から自らを避難させ、その避難した立場から改めて音楽にアプローチしていくという制作態度を取ったことから、このタイトルに決めました。('Song Premiere: 網守将平 ーkuzira')

12.2release 網守将平 "sonasile" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

'sonasile'は終盤で徐々に電子音の密度を増し、2. Pool Tableが始まる。裁断された音がめまぐるしく動き出す。ときおり見失いそうになりながらも、やがてポップなボーカルのメロディーがやってくる。電子音そのものの質にわたしたちは注意するように促されている。すでに彼の避難場所に立ち入っていることがわかる。

20年近く前に隆盛を極めた電子音って、訳がわからないけどなんかカッコイイものとして登場したあと、次第に多くの音楽家たちが(真っ当な)作り方を身に着けていき、〈いかにポップスに活かすか〉という視座において、電子音をアレンジ用の素材として使いこなすようになりましたよね。同時に電子音も素材として耳触りの良いものが増えたと思う。僕の興味はそれとは逆で、訳のわからなかったものとしての電子音に、いまだに興味がある。その興味を誰かとまた共有したいんです。(下線部は筆者)
(以下引用は「Mikiki | もう一度、電子音を難解なものと考えよう―アカデミックな新鋭、網守将平が突き詰めた斬新すぎるポップ・ミュージック論 | INTERVIEW | JAPAN」より)

アレンジ用の素材=アレンジメントのためではなく、いまだ固定化されないようなエマージェンスの電子音に回帰する試み。

網守将平 "Pool Table" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

柴田聡子とのツインボーカルによる楽曲、3.kuzira
一聴して、柴田の歌い方が、息遣いを排除したものであることに気づく。声としても、サウンドとしても聴けるような音になっている。
網守将平 "Kuzira" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud

Kuziraは全楽曲中一番最初に作った楽曲ですね。アレンジが終わった段階では、メロディー含めあまりにもナラティブのある曲になってしまったのでどうしようかなと思ったのですが、いろいろ悩んだ結果、この楽曲と相性が合わなさそうな人に敢えて歌ってもらってどうなるか試してみようというアイデアに着地しました。

6.LPF.ar メランコリックなピアノのメロディーの周囲を拡げるように電子音が挿入される。
音響的/音楽的な作品である。

(影響を受けた音楽家について:筆者注)彼らは音楽を形式的な概念以上に、もっと広く時空間的な概念に近いものとして扱っていた作曲家だとも言えますよね。自分のこういった影響の受け方は一貫していて、そのまま後の音響系やサウンド・アートへの関心/活動に繋がっています。

9.Sheer Plasticy Of the Lubricant

永続する響きが音響的にも現れる、和音として音楽的にも現れる。網守の言葉を借りれば、テクスチャーとストラクチャーとがLubricous=滑らかに交代する。一曲としては最も長く、ポップさは姿を消しているかに思えるが、ところどころで構造を感じ取られる響きに出会う。音響と音楽の融合という点ではこのアルバムを代表する曲だ。

これは聴き方についてなんですけど、何らかの曲の何らかのフレーズがあったとして、そのフレーズを〈音響〉として聴くか〈音韻〉として聴くかを、精密にではないにしろ、ある程度コントロールできるようになるというか。アカデミックな作曲の勉強をすると、モチーフみたいなものに敏感になって、フレーズからパターンを抽出したくなる。要はストラクチャーを聴き取りたくなるんですが、電子音響はテクスチュアルな要素が強いのでそう簡単にはいかない。そういうテクスチャーとストラクチャーの差異を知覚しようとする、ある種の葛藤としての聴取方法を獲得できたのは、僕にとって本当に良い意味で、アカデミズムをその外部に活かすことができた例だと思います。

(強調は筆者)

10.Mare Song
網守将平 "Mare Song" from "SONASILE" PFCD64 by PROGRESSIVE FOrM | Free Listening on SoundCloud
オーセンティックで美しく儚い旋律が魅力的な佳曲。これは網守の次の言葉を表現した楽曲だろう。

(このアルバム全体が:筆者注)難解ではない理由があるとすれば、最初から電子音楽エレクトロニカではなく〈ポップ・ミュージック〉として作ったからだと思います。僕のなかでは『SONASILE』はポップスでしかないし、最初からポップスを作るつもりでした。電子音響との関係性で言うと、これは制作途中で考えたことなのですが、力づくでもポップスにしていくことで逆説的に電子音の存在感が際立つのではないかと思ったんです。

11.Rithmcat
どこか朴訥さを感じる響きとリズムの試みを感じる。網守のユーモアセンスが図らずももれているような感覚を覚える。

電子音をポップスのためのアレンジ素材として用いつつも、ある種過剰に活かしてアレンジそのものを脱臼させることで、逆にリスナーのなかの電子音への意識を復権させたかったのかなと。むしろもう一度、電子音を難解なものとして考えるべきだというか。そういう発想を徹底することによって、アレンジの範疇を超えたアクシデンタルな音色が、作品全体にバラ撒かれることになった感じです


電子音のエマージェンスへの回帰、同時に高度なアレンジメントとの接合。それも、どこか諦観が遠く響くユーモアを伴って。網守将平にしかできないオリジナリティ溢れるアルバムであり、彼自身の目標が見事に達成された作品だ。一曲一曲が次の展開を秘めており、それらを根として、11の異なるアルバムさえ産むことができるような可能性を持っている。

 

参考資料

・Mikiki | もう一度、電子音を難解なものと考えよう―アカデミックな新鋭、網守将平が突き詰めた斬新すぎるポップ・ミュージック論 | INTERVIEW | JAPAN  http://mikiki.tokyo.jp/articles/-/13232

・Song Premiere: 網守将平 – Kuzira  http://publicrhythm.com/29552

・【REVIEW】SONASILE / 網守将平(PROGRESSIVE FOrM)http://indiegrab.jp/?p=4394

 

英語学習のストラテジー

Learning Style English

第3部  英語学習のストラテジー

学習スタイルの記事に関連して、本ノートでは、英語学習におけるストラテジーを紹介しよう。前回の記事の続きになっているが、英語学習を例にして、すぐに実践できる具体的なストラテジーを例示しているので、この記事のみでも独立している。

本ノートで紹介するものには、情報の質において3種類ある。研究によってある程度の信頼性のある手法もあるし、筆者の経験からのみ述べるもの、研究・経験どちらにおいても確度が高いものの3種類である。

単語・語法と文法、それからリスニング・スピーキングの3つに分けて記載する。
複数の研究結果において、良い学習者は、自分がいまなにを目的として、どういうストラテジーを用いて学習しているのかという認知=メタ認知のストラテジーをしばしば用いている。このため、ここに記載された以外にも、自分が用いているストラテジーを意識すること自体が意味のある学習につながっている。河合靖. (1999).元木芳子. (2007). 卯城裕司. (1996).

単語・語法篇

  • 学習初期は英和辞書を用いる、はやいうちに英英辞書を用いる

「英語と日本語の意味を対にして覚える対連合方略の使用」が「文法・語法に関するエラーを起こしやすい方略である」ことが研究で示されている。対連合方略は、犬=dogといった具体的な事物に関しては有効だが、概念的な語彙を学習する段階では微妙なズレを起こしてしまう。小山義徳. (2009). 
これは経験からも例証される。たとえば、「〜と等しい」という日本語に対応しうるのは、equivalent, comparable, corresponding, matching, analogousなどがある。それぞれニュアンスが異なり、日英のみの辞書や単語帳では対応できない。わからない単語はなるべく英英辞書を引いて、ニュアンスの差異を確認することが読解や議論に役立つ。どれがいいかは直接本屋に行くのが良い。
Oxford Advanced Leaner's Dictionary

【DVD-ROM付】オックスフォード現代英英辞典 第9版
加えて、こうした類語のニュアンスを詳しく説明している辞書がある。
Oxford Learner's THESAURUS A dictionary of synonyms

Oxford Learner's Thesaurus Paperback with CD-ROM

  • 単語をグルーピングして覚える:語源・シノニム

上のようなequivalent, comparable...といった類語をシノニム(synonym)というが、意味上のグループをまとめて覚えることは有用である。また、語源を調べることも遠回りに見えて有用であることが分かっている。
黒沢学. (1999). 訳語間の派生関係について推論を求める教示が外国語語彙の獲得に及ぼす影響. 教育心理学研究, 47(3), 364-373.
例えば、-citeという語根はto call, urge、呼ぶ、駆り立てる、という意味を持っている。ここから

  • cite 法廷に召喚する;引用する
  • citation 引用
  • excite 刺激する
  • recite-recital 暗唱する-独奏会

このように語源を学ぶことで、語源を同じくするグループを一気に記憶しておくことができる。上の研究では、語をつなぐイメージを獲得することによるのではないかと推測されている。対連合方略になりがちなので、英英辞書を確認しておきたい。
語源中心英単語辞典 

語源中心英単語辞典 

読解篇

  • 訳さず読む

英語で理解して必要に応じて訳す。訳して理解してはいけない。和訳して読んでいると確実に速度は遅くなり、全体の意味を取ることが難しくなってしまう。複数の研究でも、和訳しながら読むことが必ずしも優れた読み手の用いる方略ではないことが確認されている。
以下の表3は複数の研究において区別された優れた読み手と未熟な読み手との特徴を分類したものである。有本朱里. (2012)


もしあなたが英文法の知識に不安を覚えているなら以下の参考書が有益だ。これをやれば読解は間違いないだろう。
ビジュアル英文解釈 (Part1) (駿台レクチャーシリーズ)

ビジュアル英文解釈 (Part1) (駿台レクチャーシリーズ)

リスニング・スピーキング篇

聞き取ったままを書いていくのがディクテーション、そのあとに答え合せをして、自分の聞き取りのミスの傾向を確認する。その後、音声の真似をして文字を見ずに後を追うように繰り返すシャドウイングを行う。 ある程度のリスニング能力がある人には次の本が有用である。

キムタツの東大英語リスニングSUPER (英語の超人になる!アルク学参シリーズ)

  • 完璧に発音できなくてもいい

スピーキングに関しては詳しい参考書を用いなかった。短い心構えのみ記載しておく。

英語を専攻する147名に対する調査において、65 %の学生が正確な発音で英語を話すことが大切だと考えていた。糸井江美. (2001).しかし調査した研究者が述べるように、「学生にネイティブ並みの発音習得を求めるのは時間的にも無理であり、学生のニーズから考えても非現実的である」ため、許容できる発音を目標にすることや、完璧さを求め過ぎないことが重要であるようだ。

参考文献

・有本朱里. (2012). 英語学習者の読解方略と学習スタイルについて (Part I). JACET 関西紀要, (14), 41-52.

・糸井江美. (2001). 英語学習に関する学生のビリーフ. 文学部紀要』 第 16-2 号, 85-100.
・卯城裕司. (1996). 困難校生における英文解読ストラテジー. 僻地教育研究, 50, 95-104.

・小山義徳. (2009). 英単語学習方略が英語の文法・語法上のエラー生起に与える影響の検討. 教育心理学研究, 57(1), 73-85.
・河合靖. (1999). 外国語自律学習研究の 3 要素: 動機づけ, 学習スタイル, 学習ストラテジ一. 言語文化部紀要, 37, 68-85.

・黒沢学. (1999). 訳語間の派生関係について推論を求める教示が外国語語彙の獲得に及ぼす影響. 教育心理学研究, 47(3), 364-373.
・元木芳子. (2007). 第二言語学習と学習ストラテジー. 日本大学大学院総合社会情報研究科紀要, (7), 691-702.

勉強法とは何か? 学習スタイル論

critique Learning Style

はじめに

これは近年学術的に研究されている学習スタイル論を参照しながら、自分にあった勉強法とは何かを考えるノートである。
学習における勉強法の核となるものを捉えることを目的としている。

一般に勉強法は、話者の独断と偏見によって語られがちだが、本ノートでは、日常的・主観的な筆者自身の経験と学術的・客観的な学習スタイルの理論・統計データの両方を用いて、読み手が惑わされることなく、自分が納得する情報だけを持って帰ってもらえるようにしている。

このノートの読者としては、第1部、第2部の理論面では、「ある程度の勉強法は身につけているが、新しい分野や言語にそれを適用していいか分からない」あるいは「いろいろ勧められるんだけど、勉強法ってなにが効率いいのか迷っている」という人を、第3部の実践面では「英語を実際に使う必要があるためもう一度能力をブラッシュアップしたい」という人を想定している。

では流れを説明しておこう。前述したようにこのノートは3部構成をとっている。まず第1部では「学習スタイル論」とは何かを学び、それから第2部では具体的な5つの学習スタイル論を学ぶ。最後に第3部で、英語学習を例にして、すぐに実践できる具体的なストラテジーを例示する。それぞれの部分は違うページになっている。
時間に余裕のある方や理論的な興味がある方は順番に、テクニックが必要な人は最後のみを読むと良いだろう。

第1部  学習スタイル論とは何か

そもそも、学習スタイルの研究がどうして必要なのかを考えてみよう。
わたしたちが学習という言葉で想像するシュチュエーションは、まず教室のイメージかもしれない。しかし、学習するのは教室だけでなく、みんなでやる––ファミレスや、放課後家に集まって、あるいは、ひとりでやる––スタバや家で。他にも教師がいるのか、独学か。こういったさまざまな組み合わせがあり、どれが自分に合っているかも異なる。そう考えると、公教育から広がっていく、無数の学びのヴァリエーションがあるのだ。そこで、これまでの教育法にとらわれず、どんな学び方がどんな人に適しているのかを探ろうという研究が「学び方の個人差という観点から、欧米、特にイギリスとアメリカで30年ほど前から盛んになされて」きた。

ここで注意しておきたいことがある。どんな学び方がどんな人に適しているかを探ることが学習スタイルの研究目的だが、学習スタイルという概念には2つの層があるということだ。それは診断と処方の層である。その人に適した学習スタイルを見つけ出すためには、まずどんな人なのかという診断が正確になされなければならない。そして、次に、その診断に応じて実際にどのような学習方法を選ぶべきか、すなわちどのような学習ストラテジー=学習者が言語を学習する際に行うさまざまな思考活動や行動を選ぶべきか、という具体的な処方が与えられなければならない。医療において、どれだけ正しい診断をしてもどの処方が適切かを決定できなければ無意味であるし、あらゆる処方の準備があっても診断できなければ無意味であるのと同様である。

学習スタイル研究の2つの側面

  • どんなスタイルをもった人がいるのか⇦理論的・心理学的:診断
  • どんなストラテジーがどんなスタイルに適切なのか⇦実践的・工学的:処方

ここで明確にしなければならないのは、実のところ、現状では、診断的・理論的研究はある程度の蓄積があるものの、処方的・実践的研究はまだまだ実用に足るものではないという点である。今回学習スタイル研究として紹介できるのは、診断面だけであり、処方面はほとんど触れられない。研究によって確実性が高いものについてはいくつか紹介できる。ただ、それらは確実であるがゆえに、一般的なもので、魔法のようにピンポイントであなたの学習スタイルに適合するものではないことをあらかじめ断っておく。

そして、紹介する学習スタイル論はいまだ決着をみていないもので、それぞれに弱点があり、どれか一つの理論が正しいと結論づけることはできない。しかし、正確な分類地図(ミクロレベルでの地図)を保留にして、共通してあらわれる分類を一応の地図(マクロレベルでの世界地図)として用いることで、対話の土台を共有するための道具として役立てることはできる。加えて、無意識に自分がどんな学習スタイルを取っていたかを再認識することで、洗練させたり別のスタイルを試すことができる。最後に(個人的に一番重要だと思うことは)、学習スタイル理論を学ぶことは、スタイルに優劣をつけたり、押し付けてきたりする人々に対して自分のやり方を守る有益な防衛手段となる。
現実的に言えば、現在うまくいっているものはそのまま続ければいい。うまくいっていないものだけここであげるような違うやり方を試せばいい。


学習スタイルを学ぶ意味

  • 学習スタイル理論を洗練させるための語彙や土台を共有する
  • 自分の学習スタイルを再認識する
  • 学習スタイルを押し付けてくる人々から自分を守る

診断〜どんなスタイルをもった人がいるのか

学び方の個人差がある、というのは当たり前のようで、深い問題でもある。いったいどこからその差が生まれるのか、差はどれくらい根深いのか、変化しうるのか。学習スタイル研究の理論的な目的は、学び方の差の原因をモデル化することにある。
英国の学習スキル研究センター(Learning&Skills Research Centre:LSRC)によれば、2004年までに学習スタイルに関する学術論文は3800以上に及び、71の理論が提唱されている。LSRCは、「そのうち最も影響を与えた13の理論を整理し、生来のものであり変化しがたい学習モデルと、外因によって変わりやすい学習モデルとの両極端の延長線上に5種類の学習スタイルモデルを提出した」。(図2)青木久美子. (2005).

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 図2の中で、最も左端のものが、学習スタイルは生来のものであると強く主張する理論であり、個々の学習スタイルを変えようとするより、個々の生来の学習スタイルに合わせて、学習環境を設定すべきである、とするものである。最も右端のものは、個々の学習に対する動機、外的要因、カリキュラムデザイン、授業形態、文化、評価の仕組み、等によって個々の学習スタイルは変化する、とするものである。

 それでは次に具体的に5つの学習スタイルモデルを概観しよう。

(第2部は後日作成。使用する学習スタイルの有益なまとめである青木の論文の直リンクは以下)

http://www.code.ouj.ac.jp/media/pdf2-1-3/No.3-18kenkyutenbou01.pdf

参考文献


青木久美子. (2005). 学習スタイルの概念と理論-欧米の研究から学ぶ. メディア教育研究, 2(1), 197-212.⇦日本語文献の多くに引用されている。はじめのガイドとしておすすめ。以下のCoffield, F., ・Moseley, D., Hall, E., & Ecclestone, K. (2004).の邦訳&まとめに近い。
・Coffield, F., Moseley, D., Hall, E., & Ecclestone, K. (2004). Should we be using learning styles? What research has to say to practice.⇦青木の論文で参照されているLSRCの論文。18ページほどで読みやすい。
・Coffield, F., Moseley, D., Hall, E., & Ecclestone, K. (2004). Learning styles and pedagogy in post-16 learning: A systematic and critical review.⇦上のものはこのレポートの要約。180ページあり、絶望的に長い。詳細が必要な部分だけ利用した。

 

音楽、異なるものとの交わり Music for communication/communion

music critique

はじめに

よい音楽にはジャンルの境界がない。とはいうものの、音楽に何を求めるかによってジャンルが生まれたようにも思える。わたしたちは音楽になにを求められるのだろうか? それがこの論考のひとつの問いである。

さて、今回、わたしたちはジャンルをめぐる思考に触れてみたい。クラシックとポピュラー音楽をめぐる思考だ。クラシックという言葉はポピュラー音楽の出現とともに生まれた。同時にそれら2つの音楽を巡ってさまざまな価値の争いが巻き起こった。そして今なお、2つのジャンルは高尚/卑近、複雑/単純、と言った二項対立で整理されている。だが、それはあまりにも窮屈で、互いのよさを知らないままに互いに離れ離れになってしまっている。
そこで、そういった二項対立を脱して、クラシック、ポピュラー音楽を一貫して評価できるような音楽観を作り上げたい。この小論ではその基礎的な作業として、社会学者のテオドール・アドルノと哲学者のウラジーミル・ジャンケレヴィッチの音楽観を比較する。

対話としての音楽  Music for communication

社会学者のテオドール・アドルノ(Theodor Ludwig Adorno-Wiesengrund, 1903-1969)は、論文「ポピュラー音楽について(On Popular Music)」において彼なりの見方でもって、クラシック音楽とポピュラー音楽とを整理し、精神的なもの/刺激的なもの=クラシック/ポピュラーという差異を設けた。アドルノの(ただしい)音楽は、「対話的音楽」とも言うべきもので、作曲者と聴取者との対話こそ音楽の本質とみなしている。「ベートーベンや優れたシリアスな音楽[クラシック音楽のこと]の場合には、––出来の悪いシリアスな音楽のことはここでは扱わない。そうした音楽はポピュラー音楽と同じくらいに硬直的で機械的なことがある。––細部が全体を潜在的に含んでおり、全体の提示へと展開するが、同時にまた、細部は全体の構想から作り出されてもいる」。そして、細部を全体へと統合させる能力や努力が聴取者に求められている。例えば、ベートーベンの交響曲第5番第3楽章 (https://youtu.be/QdM6Zl0D8h4)を題材とした、彼の典型的な楽曲分析をみてみよう。

このスケルツォ[第三楽章]のスケルツォ部分全体(つまり、トリオの始まりを印づけるハ長調の弦の低い響きが入ってくる前の部分)は、二つの主題からなる二元性によって成り立っている。すなわち、弦楽器の奏でる、這うような音型と、管楽器による「客観的な」、硬質な応答である。この主題の二元性は、図式的な仕方で展開されてはいないので、最初に弦楽器のフレーズが練り上げられ、次に管楽器の返答が示され、その後に弦楽器の主題が機械的に反復される、という風には進行しない。ホルンによって演奏される第二主題が最初に現れた後、二つの本質的な要素[主題]は、対話するかのように交替しながら相互に結びつけられていく。そして、スケルツォ部分の最後を実際に印づけるのは、第一主題ではなく、第二主題のほうである。第二主題が最初の音楽的フレーズ[第一主題]を圧倒してしまったのである。

こうして「ベートーベンは、伝統的なメヌエットでは何も語らない無意味なゲームの規則に過ぎなかったものに、意味を持って語るように強制している」。このようにして彼は細部のフレーズ・応答を聴き取り統合することが、音楽を聴くことであるとした。
対して、「ポピュラー音楽の場合、細部と全体との関係は偶然的である」。そして、「楽曲が聴取者の代わりに聴くのである。このようにしてポピュラー音楽は聴取者から自発性を奪い、条件反射を促進する」とする。そうすると、彼にとってポピュラー音楽というものは、対話ではなく、せいぜい会話、有り体に言って雑談なのだ。そこでは「主体は、ポピュラー音楽に対して自由意志のいかなる残滓も奪われ、与えられたものに対する受動的反応を再生産しがちになり、社会的に条件付けられた反射行動の中心に過ぎなくなる」。

コミュニオンとしての音楽  Music for communion

これに鋭く対立する音楽観をもった哲学者がいる。20世紀を生きたフランス哲学者、ウラジーミル・ジャンケレヴィッチ(Vladimir Jankélévitch, 1903-85)だ。彼は『音楽と語り尽くし得ないもの(La musique et l'ineffable)』のなかで、ドビュッシーが「音楽は表現できないもののために作られている(La musique est faite pour l'inexprimable)」と語ったのを受けて、音楽は「表現できないものを無限に表現する(exprimer l'inexprimable à l'infini)」と述べた。表現できないもの(l'inexprimable)は語り尽くしえない(l'ineffable)。だからジャンケレヴィッチはアドルノとは異なる音楽を聴いている。次の言葉がその対立を明確に表している。「音楽は対話には非本来的である。対話とは諸理念の交換、分析、相互性と平等のうちでの友情に満ちた協力の上に立てられている。音楽は意味の論証的かつ総合的な伝達(communication)ではなく、直接的かつ語り尽くしえないコミュニオン(communion)を認める」。

ここでのコミュニオンは、神学において通常「交わり」と訳されるもので、キリスト教的意味を背負っている。新約聖書ヨハネの手紙第1章第3節において、

私たちの見たこと、聞いたことを、あなた方にも伝えるのは、あなた方も私たちと交わり(コミュニオン)を持つようになるためです。私たちの交わりとは、御父および御子イエス・キリストとの交わりです。

とあるのが原義だ。まず、キリスト自身と信徒との精神的交わり、それから教会組織における儀式での交わり、すなわち聖餐、キリストの体と血となったパンと葡萄酒を分け合うことを意味する。
コミュニオンは霊的なニュアンスを強くもっていて、伝達できない事柄を伝えるための関わり、交流をイメージさせる。ただ、キリスト教的意味は比喩として機能していて、それにとらわれる必要はない。
聖書ではコミュニオンはギリシア語でκοινωνία(コイノーニア)と書き表されており、これはキリスト教以前の古典ギリシャ時代には、仕事仲間・結婚生活での夫婦・友人とのパートナーシップ、神との精神的な関係、すなわち交流と共同を意味していた。ここからも分かるように、キリスト教的文脈を越えて、ジャンケレヴィッチは、コミュニオンという言葉で、言語的ではなく、共同そのものから生まれる理解や交流を表そうとしている。
すなわち、communicationが言語的、客観的ならば、communionは非言語的、直観的な行為と言える。

それでは対話ではなく、交わりの音楽とは、なにを指すのだろうか?
ジャンケレヴィッチのコミュニオンには、宗教的なニュアンスが強い。彼は「音楽がわれわれに伝える神秘は、生命、自由そして愛の豊かな表現できないものである」と語る。彼は美しいドビュッシーのコメンタリーを著しているが、そこでもつねに美しく気高いもの、文学的な生と死、希望や絶望といったものが俎上にある。しかしわたしは彼の概念を異なった視点から解釈したい。概念により即物的なニュアンスを付与したい。
音楽を聴くとき、アドルノは作者との対話を目指した。それは、聴取者と作者のうちにすでにある一定の了解を前提としている聴取の態度である。それは主題や形式についての規約を共有して語り合うゲームのようなものだ。それに対し、ジャンケレヴィッチは音楽の本質を、対話ではなく、コミュニオン=交わりであるとした。しかしそこでも、交流されるものはあまりに文学的で、限定された概念である。

異なるものとの交わり  Music for communication-communion

そこでわたしは、規約を共有するゲームでもなく、宗教的なニュアンスを含むコミュニオンでもない音楽観を提示したい。
すなわち、音楽とは、異なるものとの交わりである。という定義だ。
自分の知る世界観を越えてやってくるもの、世界観同士のつながりを生み出すことができるもの。異なる世界とつながり、アクセスできる音楽、それこそが根本的な意味での対話的・コミュニオン的な音楽と言えないだろうか。音楽は、異なるものと対話する際の壁となる言語を越えているという点で対話的であり、表現できない感情や文化ごとにもつ世界観を暗示し、交わりの可能性を生み出すという点でコミュニオン的である。

異なるものとの交わりとしての音楽は、性質というよりむしろわたしたちの聴取の態度によって生み出される。わたしたちはクラシックやポピュラー音楽を基準に他の音楽を判断するのではなくて、対話的・コミュニオン的に判断することで、音楽をジャンルに縛られない、世界にアクセスする場所として体験することができる。ここで、定義を振り返っておこう。

3つの音楽

  • Communication Music:対話的-規約的、テオドール・アドルノ
  • Communion Music:交流的-宗教的、ウラジーミル・ジャンケレヴィッチ
  • Communication-Communion Music:対話的-交流的-中立的

以上、アドルノとジャンケレヴィッチを比較し、それぞれの弱点を補える、異なるものとの交わりとしての音楽、という概念を提案した。

次の論考では、ここではいまだ述べられていない、具体的には音楽をどのように聴けば、異なるものとの交わりを生むことができるのかという問いを考えたい。

 

参考文献

・「ポピュラー音楽について」テオドール・アドルノ、海老根 剛訳(http://www.korpus.org/onpopularmusic01)2017/04/15閲覧

・「語り得ないもの、音楽と死 ジャンケレヴィッチのドビュッシー解釈」橋本典子『精神と音楽の交響』今道友信編、1997、音楽之友社

・新改訳 聖書、2007、日本聖書刊行会

猫の領土

動物の世界はどんなふうにあるのだろうか。


猫を考えよう。ずっと家にいるのではなく、首輪をつけているが、日中は町を散歩している猫だ。彼はいつも決まった順路を歩いているようだ。なにをしているのかを観察していると、彼はいつもの順路に変化が生じていないかを見回っているらしいことに気づく。不審な影はないか、新しく現れたものはないか。
彼はどんな細かい変化も見逃さない。
昨日も一昨日と変わらないから今日はやめておく、ということはありえない。

彼は強迫的な動機に突き動かされているのだろうか?動物の精神科医というものを聞いたことがないが、わたしたちは彼の精神を分析してみよう。

猫は瞬間を生きているようだ。困ったことがあれば困るのはその時だけで、その後にも先にも困らない。また、快楽を得た時もその時限りでお終いにしている。
彼はなにも持ち越さない。あとでこれこれの続きをしよう、とわたしたちはよく言うが、彼は初めと終わりを必ずひと続きのものにしていて、あとでするということはない。彼が再開しているようにみえる行為は、新たにはじめられた行為なのだ。だから同じ行為というものは存在しない。変化には鋭く反応するが、変化しないからといって同じではないのだ。

反復は、つねに一回目の反復である。同じものが同じ形で繰り返されることはない。反復は持ち越されない。

 

 

ディアンジェロは寿司を食べるか?


D'Angelo and The Vanguard - Really Love - YouTube

 

「寿司を食いながらディアンジェロを聴いたことがあります?」

と、ある男がこちらを向いて眉を上げた。

薄暗いライブハウス、200人くらいの小さなハコで開演を待つあいだのことだった。

その男とはさっき知り合ったばかりで、たまたま前にひとりで並んでいる彼に僕が話しかけたのだった。少し痩せぎみの銀縁の眼鏡をした男で、同じく銀色の落ち着いた指輪を薬指に嵌めていた。人好きのする顔はすこしふくろうに似ていてなんとなく親しみを感じてつい話しかけたのだ。

「あ、ないですか。あれはおもしろいですよ寿司の味がしなくなるんです

その男はディアンジェロを聴きながら寿司を食うと寿司の味がしなくなるということを教えてくれたのだった。そのときもけっこう笑ったが、あれから日を経て再び思う。

ディアンジェロを聴きながら寿司を食うと寿司の味がしなくなる

これはさらなる深い問いを孕んでいそうだ。

食と音楽の関係はそれほど広く調べられてはいない。

ディアンジェロという黒さ。音楽のプリコラージュと、寿司という簡素を極めたネタ-シャリのコンビネーション。ともに素材を活かした作品だが、醸し出すリズムや匂いは全く異なっている。それゆえに両者は噛み合わないのだろうか。なにより、

ディアンジェロを聴きながら寿司を食う黒人は寿司の味を知るのだろうか?